Max Tomasinelli

Che tipologia di stampa predilige?

La mia pratica inizia in una camera oscura, in cui goffamente sperimentavo supporti diversi con  molti limiti tecnici, personali e strumentali. Nascevano stampe completamente sbagliate, che strappavo e gettavo ancora da fissare. In quella casualità dei fogli bagnati e sovrapposti origina probabilmente la mia pratica successiva: il collage, a sua volta seguito da una faticosa conquista della terza dimensione, con una serie di installazioni.
Questo lento processo ha finito per rendermi più libero nella scelta dei materiali. Utilizzo cartone, carta, alluminio, tela pittorica e persino muro, come nel caso del mio lavoro installato a Lunetta 11.  

Nel tempo ho deciso di delegare a professionisti specializzati le scelte tecnologiche, che meglio si adattano ai miei soggetti.
Parlando della mia fotografia, la mia scelta si è indirizzata su stampe di grande formato con tecnologia Lambda print e montate su Dibond, ma durante il lock-down ho potuto sperimentare la stampa Lux-Art di ChromaLuxe del Newlab di Brescia, dalla quale ho tratto risultati stupefacenti.

Devo ringraziare l’esimio collega Piero Mollica per il prezioso suggerimento.

Prima l’idea o la fascinazione per il materiale? Ovvero, nasce prima il progetto artistico/fotografico o questo le viene ispirato da delle tecniche, delle lavorazioni particolari che l’hanno colpita?

Assolutamente prima l’idea. Il materiale è solo il mezzo che conduce alla destinazione.
Credo che la bellezza possa essere in e con ogni materiale: la buona idea che sappia concretizzarsi con l’adeguata tecnica conduce alla bellezza.

Ha dei Maestri di riferimento a cui guarda, a cui si sente affine?

Dovrei stilare un elenco lungo mille pagine. 

Quello che nasce dalla pratica artistica è una speciale neutralità, una negazione della belligeranza, del confronto, della conflittualità e della competizione. 

Tutto il mondo è competitivo, è gara, è tempo, è risultato, è numero.
Penso la creazione come l’opposto di questo; al limite si negozia con l’idea perché sia lenta quanto vuole ad arrivare, ma più nuova possibile, che sia compenetrazione e non competizione. E allora, l’urgenza sta nel dichiararsi, nel mettersi a nudo facendo qualcosa di fisiologico, che non si può trattenere. Come quando scappa da matti e non importa dove e come, ma bisogna farla. Anche fuori dal vaso. In quell’urgenza c’è una liberazione, un sospiro, una rinnovata vitalità.

 
Tra i fotografi prediligo la genuina perfezione di Irving Penn, la narrazione di André Kertész, la spregiudicatezza e il coraggio di James Nachtway.
Ma voi non invidiate la metodicità di Ansel Adams? E la capacità compositiva di Giacomelli? La giocosa ironia di Elliott Erwitt?

E tra gli artisti che intorno al mio vivere hanno illustrato, dipinto, scolpito e disegnato, devo aver guardato Kurt Schwitters e alla potenza distruttiva del Dada, per poi essere tentato dalla forza gestuale e generativa, improvvisa, esplosiva di Cy Twombly.
Ma mi scopro nel cuore reminiscenze di Emilio Isgrò, di Antoni Tapies, di Alighiero Boetti, di Roman Opalka, di Hanne Darboven, di Marcel Broodthaers.
Mi sembra impossibile non averli di riferimento, impossibile non guardare, oltre a questi, mille altri.
L’affinità sta in una lenta processazione di contenuti liberi, appresi o incontrati, lasciati in fermentazione, di cui si sentono esalazioni più o meno tossiche, più o meno dolorose.
Ecco, forse di affine con i Maestri c’è il dolore dell’inadeguatezza, che rende ogni anima collegabile, nell’onestà della consapevolezza, fino alla più elettiva affinità.

Tempo fa passai accanto a delle stampe Lux-Art di dimensioni medio-grandi, in cui grovigli rossi di scritte in corsivo riempivano degli spazi, delle stanze, come enormi stendardi ricamati.

Erano alcuni lavori della sua serie “Sense Out”, iniziata nel 2005, così affini per estetica ai libri cuciti di Maria Lai, ma così lontani da questi per le intenzioni.

Se per la Lai impedire la decifrabilità della parola scritta attraverso il ricamo era un modo per collegare, giocare, rendere universale la comunicazione svuotandola dal suo significato univoco e donandole tante letture possibili, in “Sense Out” “il linguaggio diviene un suono senza senso per uditori sordi”.

Forse più vicini all’impenetrabilità delle pagine cancellate di Emilio Isgrò, le Sue opere riflettono e diventano metafora del fallimento della comunicazione di un sistema, quello museale, verso il suo pubblico.

Questi paragrafi di parole intraducibili, così ben disposti all’interno delle grandi sale espositive, mantengono compostezza e grazia, forse compensando così la loro laconica assenza di significato.

Mi chiedo se questo “Impero dei segni”, citando Barthes, sia davvero stato del tutto spogliato dalla ritualità dei suoi gesti, o se queste trame grafiche hanno mantenuto per Lei un significato, magari una memoria, o una promessa di speranza.

Sono lusingato del filo rosso che la porta da me a Emilio Isgrò ed a Maria Lai. Entrambi conversano con la Natura e con gli animali, si assoggettano alla loro infinita poesia, ne tessono i suoni e le azioni.
Da sempre cerco contatto con la Natura, non riesco a starne lontano e quando sono in casa, i miei cani segnano la liaison.
L’essere umano esibisce il linguaggio ed una maggiore presa di coscienza quali caratteri distintivi rispetto agli animali; dal punto di vista biologico sono elementi di una forte relatività.
Spesso poi, il nostro linguaggio è impreciso, inopportuno, erroneo, stereotipato, misterioso, impenetrabile, incontrollabile, collerico, fuorviante, ipocrita. La pandemia è un esempio evidente di quanto il linguaggio possa diventare strumentale e fazioso.

La mia scrittura automatica “Sense Out” origina dalle conversazioni e dai confronti con oltre 150 artisti, in cui emerge con significativa frequenza uno scollamento tra i contenuti concettuali propri dell’artista e quelli espressi a turno dalla critica. Non raramente il linguaggio critico finisce per costituire una rete intricata e impenetrabile tra opera e osservatore, complicando una fruizione altrimenti diretta.

Da questo complesso reticolo di virtuosismi lessicali, che sbilancia la relazione opera/osservatore, mi immagino il linguaggio nell’urgente necessità di conquistare un ruolo, avendo appena perso quello nativo di comunicare: lo trasformo in segno, traccia, elettrocardiogramma; fisico e impetuoso, ricopre, decora, urta, ingarbuglia.

I contenuti, sempre presenti, sono generalmente riconducibili alla situazione della sessione fotografica durante  la quale mi trovo calato in spazi silenziosi e sospesi, con dimensioni altre e altri contenuti, come in un mondo parallelo, fatto di bianchi candidi e voci distorte ed echeggianti, in ogni lingua e con ogni contenuto.

Si risolvono in una rete inestricabile, legati dal gesto continuo e, da poco dopo l’esecuzione, si negheranno anche a me, proprio come fa il nostro stesso linguaggio, quando esce incontrollato e dirompente, tradendo le più genuine intenzioni del mandante per piantarsi nella carne del destinatario.
Un dolore sotteso, forse involontario, senza colpa, ma pur sempre il dolore di chi non ha capito e di chi non viene capito.
Della speranza non so, ci sono cose più grandi da sperare. E mai vorrei essere colui che promette speranza: se fossi davvero decisivo, prometterei comprensione.

Progetti futuri?

Sto lavorando alla pubblicazione di un libro di fotografia pura, reportage di una permanenza in Moldavia. Sarà la narrazione di una storia comune a molte persone dell’est Europa, che si trovano a dover migrare e ricostruire la loro vita a distanza, come in un triste copia e incolla, pervase di inadeguatezza e  smarrimento.