Che tipologia di stampa predilige?

Which type of print do you prefer?

Beh, dipende. Di solito mi piace di più la finitura opaca, per via dei minori riflessi e del nero molto profondo e dei toni scuri e morbidi.
Come nel caso delle mie opere della serie IKARUS. Si tratta di ritratti di specie di uccelli estinti da tempo o quasi. La rappresentazione e l’illuminazione alla Rembrandt conferiscono loro una bianca sublimità. Un materiale lucido sarebbe solo una distrazione.
Abbiamo presentato un’altra serie, SAMSA, su ChomaLuxe lucido senza primer. Si tratta di immagini macro di coleotteri. In questo caso, la produzione lucida supporta le caratteristiche luminose e iridescenti dei gusci degli scarabei.

NewLab ha prodotto la serie CU in modo assolutamente fantastico su ChromaLuxe lucido, finitura scelta poiché l’intera mostra è stata allestita in una sala molto buia del Palazzo Marchesale di Tufo a Matino, con una sola lampada fioca. Data la penombra, gli spettatori dovevano avvicinarsi ai quadri per vederli bene, creando così un’interazione con se stessi e con le immagini. La superficie lucida iniziava quasi a brillare anche con poca luce, il che è stato perfetto!

Well, it depends. Usually I like the matte finishing more, due to less reflection and a very deep black and smooth dark tones.
As with my works in the IKARUS series. These are portraits of long-extinct or almost extinct bird species. The Rembrandt-like depiction and lighting give them a white sublimity. A glossy material would only be a distraction here.
We have presented another series, SAMSA, on glossy ChomaLuxe without primer. These are macro images of beetles. Here, this high-gloss production supports the luminous and iridescent characteristics of the beetle shells.

NewLab has produced the CU series absolutely fantastically on glossy ChromaLuxe, as the entire exhibition is shown in a very dark room in the Palazzo Marchesale di Tufo in Matino, with only one dim lamp. Intentionally, so that the viewers have to approach the pictures and thus create an interaction with themselves and the pictures. The glossy surface almost begins to glow even in low light, which is perfect!

Kakapo (Stropops Habroptilus)

 

Waldrapp (Geronticus eremita)

Prima l’idea o la fascinazione per il materiale? Ovvero, nasce prima il progetto artistico/fotografico o questo le viene ispirato da delle tecniche, delle lavorazioni particolari che l’hanno colpita?

What comes first, the idea or the fascination for the material? In other words, is the artistic project coming first of everything, or is there any kind of techniques that inspire you?

Beh, sono un grande fan del principio base del design “la forma segue la funzione”. Quindi per me viene prima l’idea, originata dall’immagine che ho in testa o da una scoperta casuale, quella che ti ritrovi per le mani quando sei in giro con gli occhi e gli altri sensi aperti. Non tutte le serie o le opere sono frutto della mia fantasia o immaginazione, infatti sono un grande sostenitore del principio della “serendipità”, cioè del trovare qualcosa che non si stava cercando.

Poi mi occupo della presentazione. Decido se usare la carta, e in tal caso quale, o se usare ChromaLuxe e, ancora, su quale superficie i motivi, le immagini, appaiono meglio.

Molte decisioni vengono prese anche grazie al dialogo. Non ho molta dimestichezza con tutte le opzioni di presentazione ed è qui che entrano in gioco i professionisti di NewLab e ChromaLuxe o di altri laboratori e studi professionali.

Sono molto felice di lasciarmi ispirare e di ricevere consigli.

Well, I’m a big fan of the basic design principle “form follows function”.
So for me, the idea comes first, the image in my head or the chance discovery when you’re out and about with your eyes and other senses open. Not all series or works are a product of my fantasy or imagination. I’m a big fan of the principle of “serendipity”, i.e. finding something you weren’t looking for.

Then I deal with the presentation. Then I decide whether to use paper, and if so, which one, or whether to use ChromaLuxe and, again, on which surface do the motifs look best?

Many decisions are also made in dialog. I’m far from familiar with all the presentation options. This is where the professionals at NewLab and ChromaLuxe or other professional labs and studios come in. I am very happy to be inspired and receive advice.

Ha dei Maestri di riferimento a cui guarda, a cui si sente affine?

Is there any master/masterpiece you are influenced by?

Oh, alcuni!
Dalla fotografia contemporanea (nei miei workshop e conferenze consiglio sempre di visitare il maggior numero possibile di mostre di colleghi) alla pittura classica.
I quadri della serie CU sono ispirati alle nature morte barocche, la luce è basata sulla cosiddetta “luce di Rembrandt”, così come la focalizzazione formale sull’oggetto.
Altre opere, più astratte, si ispirano agli artisti espressionisti, soprattutto a Lyonel Feininger.
Questa influenza è per lo più inconscia. Una volta ho fatto una mostra di frammenti architettonici astratti in esposizioni multiple e qualcuno mi ha detto che dovevo essere un grande fan di Feininger. All’epoca era vero, ma solo allora ho riconosciuto i parallelismi.
Ma anche la musica o i film possono essere di grande ispirazione. Anzi, tutto ciò che fa appello ai nostri sensi e alle nostre emozioni. Bisogna solo permetterglielo…

Oh, some!
From contemporary photography (I always recommend in my workshops and lectures to visit as many exhibitions of colleagues as possible) to classical painting.
The pictures in the CU series are inspired by baroque still lifes, the light is based on the so-called “Rembrandt light”, as is the formal focus on the object.
Other, more abstract works are inspired by expressionist artists, above all Lyonel Feininger.
This influence is mostly subconscious. I once had an exhibition of abstract architectural fragments in multiple exposures, and someone told me that I must be a big Feininger fan. That was true at the time, but it was only then that I recognized the parallels.
But music or films can also be a great inspiration. In fact, anything that appeals to our senses and emotions. You just have to allow it…

 

Dynastes hercules lichyi

La serie CŪ esposta allo Yeast Festival di quest’anno mi ha fatto subito pensare alla Gestaltpsychologie.
La Gestaltpsychologie o Psicologia della Forma è un movimento sviluppatosi a Berlino all’inizio del XX secolo in opposizione allo strutturalismo allora esistente. Il motto per eccellenza dei gestaltisti è che “il tutto è più della somma delle sue singole parti”, il che significa che l’interezza della percezione non è caratterizzata solo dalla somma dell’attivazione dei singoli sensi, ma anche da qualcosa di più, che rende possibile la comprensione della forma come un tutto.

In sostanza, da ogni esperienza percettiva si ottiene un’immagine totale a cui la mente attribuisce un significato.
“Una mucca è più della somma delle sue parti utilizzabili”, è la vostra affermazione.
Nella serie CŪ, stampata su ChromaLuxe, vari organi e singole parti di un animale sono artisticamente innalzati su un piedistallo, entrando in dialogo con lo spettatore, attivandone la percezione.

Ma come? Che reazione si aspettava dal pubblico e può dirci se ha assistito a qualche reazione particolare al suo lavoro, in passato e durante l’appena concluso Yeast Festival 2024?

The CŪ series exhibited at this year’s Yeast Festival immediately made me think of Gestaltpsychologie.
Gestaltpsychologie or Form Psychology is a movement developed in Berlin at the beginning of the 20th century in opposition to existing structuralism.
The motto par excellence of the Gestaltists is that “the whole is more than the sum of its individual parts”, which means that the wholeness of perception is not only characterised by the sum of the activation of the individual senses,
but also by something more, which makes it possible to understand form as a whole.

Basically, from each perceptual experience we obtain a total image to which the mind attaches a meaning.
“A cow is more than the sum of its usable parts” it’s your statement.
In the CŪ series printed on ChromaLuxe, various organs and individual parts of an animal are artistically raised onto a pedestal, entering into a dialogue with the viewer, activating their perception.

But how? What reaction did you expect from the audience and could you tell us if you witnessed any particular reactions to your work, in the past and during the just concluded Yeast Festival 2024?

Il suo paragone con la psicologia della Gestalt è assolutamente azzeccato ed è un bel parallelismo con il mio lavoro.
Fondamentalmente, si può dire che l’arte vuole ottenere innanzitutto una cosa: che avvenga un’interazione con lo spettatore. Questa può essere una reazione cognitiva (cosa sto vedendo?) o una reazione emotiva, che naturalmente è molto individuale e ha molto a che fare con la percezione soggettiva.
La serie attuale si concentra sulla reazione emotiva. Voglio invitare lo spettatore a fare i conti con il fatto che una mucca non è solo una bistecca estetica o una carne macinata omogenea, per dirla in modo molto semplice.
La reazione può essere anche di disgusto superficiale, voglio dire, in una foto vediamo un singolo bulbo oculare staccato! Ma nel mio immaginario (e obiettivo) segue un dialogo, si fa i conti con il fatto che una mucca è proprio questo: più della somma delle sue parti utilizzabili.
E le sottopongo anche un’altra riflessione: ho trascorso molto tempo nei mercati alimentari, i cosiddetti “wet market” in Cina, Malesia, Taiwan e Hong Kong. Lì si può vedere come un animale viene “usato” dalla testa ai piedi, letteralmente. Nel mondo occidentale spesso facciamo una distinzione tra un animale e ciò che compriamo al supermercato.

Your comparison with Gestalt psychology is absolutely apt and is a nice parallel to my work.
Basically, you can say that art wants to achieve one thing first: that an interaction with the viewer takes place. This can be a cognitive reaction (What am I seeing?) or an emotional reaction, which is of course very individual and has a lot to do with subjective perception.
The current series focuses on the emotional reaction. I want to invite the viewer to come to terms with the fact that a cow is not just an aesthetic steak or homogeneous minced meat, to put it very simply.
The reaction can also be superficial disgust, I mean, in one picture we see a single, dislodged eyeball! But in my imagination (and objective) a dialog then follows, we come to terms with the fact that a cow is just that – more than the sum of its usable parts.
And another perspective: I spent a lot of time on food markets, so called “wet markets” in China, Malaysia, Taiwan and Hong Kong. There you can see, how an animal is “used” from head to toe, literally. In the western world we often separate between an animal and what we buy in the supermarket.


 

Stilllife, object photography of a cow’s heart.

 

Progetti futuri?

Future projects?

Al momento sto esponendo nella Leica Gallery di Duesseldorf alcuni frammenti architettonici astratti (come quelli descritti sopra). È una cosa che continuerò a fare. Ma sto anche lavorando per continuare il mio lavoro con il Senckenberg Institute sulle specie animali estinte e in pericolo. Presto uscirà un libro su questo argomento. Inoltre, nei miei appunti ho sempre qualche idea che vorrei realizzare. È sempre emozionante!

At the moment I am also exhibiting in the Leica Gallery Duesseldorf some abstract architectural fragments (like described above). This is something I will continue this. But I am also working on continuing my work with the Senckenberg Institute on extinct and critically endangered animal species. There will soon be a book on this topic. Plus, I always have a few ideas in my notes that I would like to implement. It remains exciting!

Multilayer Photography, Architecture Duesseldorf

 

Biografia

Florian W. Müller

Fotografo

www.florianwmueller.com

@florianwmueller

Florian W. Müller

Florian W. Müller è un fotografo autodidatta. Ma fotografa da sempre, ispirato dal magico sviluppo di un’immagine che suo padre gli mostrava nella sua camera oscura. Per questo sarà sempre grato al padre. All’età di sei anni ha ricevuto da lui la sua prima macchina fotografica, una Agfa Rapid con le semplici impostazioni “sole”, “nuvole” e “flash”. Ancora oggi possiede questa macchina fotografica. Poco dopo, il padre gli mostrò l’interazione tra velocità e apertura dell’otturatore su una vecchia Voigtländer.

Dopo vari periodi come fotografo di scena in produzioni cinematografiche e varie commissioni da parte di agenzie pubblicitarie, matura il desiderio di sviluppare e stabilire una propria forma di fotografia indipendente per ampliare il contesto della pratica fotografica e artistica. Influenzato da un altro aspetto professionale della sua vita, la comunicazione, nel corso del tempo sono emerse immagini multistrato e ambigue che praticamente richiedono un’interazione con lo spettatore.

Dopo aver organizzato le sue prime mostre con due amici fotografi, che hanno avuto un buon riscontro, ha deciso di fare della fotografia il fulcro della sua vita professionale. A ciò è seguito presto il lavoro su commissione, dove ha la fortuna che i clienti siano spesso ispirati dal suo lavoro libero e piuttosto artistico.

Ha ricevuto alcuni bei riconoscimenti per il suo lavoro: 2 volte l’oro, l’argento e un premio di categoria agli AOP Awards (Association of Photographers) di Londra, 3 volte l’oro al BFFMagazine, l’argento e 2 volte il bronzo al Prix de la Photographie Paris (PX3) di Parigi o l’Honor Award, che è la categoria più alta, agli AIA LA Awards dell’American Institute of Architects di Los Angeles ed è stato premiato più di 15 volte come uno dei migliori fotografi pubblicitari del mondo dalla rivista Luerzer’s.

Oggi lavora e pubblica a livello internazionale. È un professionista del BFF, membro della DGPh e dell’AOP (Associazione dei fotografi) inglese. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie di Parigi, Londra, Berlino, New York, Shanghai, Zhouzhou (Cina), Düsseldorf, Colonia, Atene, Venezia, Lisbona, Köping (Svezia) e nel giugno 2018 è stato ammesso al Center for Fine Art Photography in Colorado, USA.

Nel 2017 ha condotto la prima “Porsche Photography Masterclass” in Malesia e tiene conferenze e workshop in tutto il mondo.

 

Florian W. Müller is a self-taught photographer. But he has been taking photographs all his life, inspired by the magical development of an image that his father showed him in his darkroom. He will always be grateful to his father for this. At the age of six, he received his first camera from him, an Agfa Rapid with the simple settings “sun”, “clouds” and “flash”. He still owns this camera today. Shortly afterwards, his father showed him the interplay of shutter speed and aperture on an old Voigtländer.

After various stints as a set/stand photographer on fi lm productions and various commissions from advertising agencies, he matured the desire to develop and establish his own independent form of photography to broaden the context of photographic and artistic practice. Influenced by another professional aspect of his life, communication, multi-layered and ambiguous images emerged over time that virtually demand interaction with the viewer.

After organizing his first exhibitions with two photographer friends, which were well received, he decided to make photography the focus of his professional life. This was soon followed by commissioned work, where he is fortunate that clients are often inspired by his free and rather artistic work.

He received some nice awards for what he does: Like 2x Gold, Silver and a category award at the AOP Awards (Association of Photographers) in London, 3x Gold in the BFF Magazine, Silver & 2x Bronze at the Prix de la Photographie Paris (PX3) in Paris or the Honor Award, which is the highest Category at the AIA LA Awards of the American Institute of Architects in Los Angeles and he has been awarded over 15 times as one of the best advertising Photographers worldwide by Luerzer’s magazine.

Today he works and publishes internationally. He is a professional in the BFF, a member of the DGPh and the English AOP (Association of Photographers). His work has been exhibited in galleries in Paris, London, Berlin, New York, Shanghai, Zhouzhou (China), Düsseldorf, Cologne, Athens, Venice, Lisbon, Köping (Sweden) and in June 2018 he was accepted into the Center for Fine Art Photography in Colorado, USA.

In 2017, he led the first “Porsche Photography Masterclass” in Malaysia and gives lectures and workshops worldwide.