Pietro Arrigoni

Che tipologia di stampa prediligi?

La stampa di un’immagine è, per me, la restituzione pubblica e collettiva di un atto d’arte. È un passaggio di consegne: dall’intimità dello sguardo all’uomo per l’uomo. L’immagine stampata smette di appartenere solo a chi l’ha generata e inizia il suo dialogo con il mondo.

Da bambino rimanevo profondamente colpito da un gesto semplice e potentissimo. Quando mi accompagnavano al camposanto, la prima cosa che si faceva era pulire la fotografia del defunto. Un fazzoletto, a volte inumidito con uno sputo: un gesto apparentemente ruvido, quasi volgare, ma in realtà carico di una sacralità arcaica. Era una cura, una rigenerazione. Un atto di vita che si prendeva cura della memoria. Come un soffio, una ruah ebraica: il respiro che anima, che mantiene in vita ciò che rischia di svanire.

La mia prima mostra l’ho realizzata su forex, una scelta tutt’altro che casuale. Mi affascina la sua funzionalità, ma soprattutto la sua capacità di resistere. Una resistenza che non è immobilità, bensì possibilità di replicare, di viaggiare, di attraversare luoghi e condizioni diverse.

Il forex non teme le intemperie: le accoglie, le attraversa, ne esce trasformato. Un altro elemento per me fondamentale è l’opaco. Prediligo superfici che non riflettono, ma assorbono la luce. L’opaco è una forma di ascolto: una campitura di tolleranza, un modo gentile di accogliere lo sguardo senza respingerlo. È una pelle che non abbaglia, ma invita alla prossimità, al tempo lento, alla relazione silenziosa tra immagine e osservatore.

Prima l’idea o la fascinazione per il materiale? Ovvero, nasce prima il progetto artistico-fotografico o questo ti viene ispirato da delle lavorazioni o allestimenti particolari che ti hanno colpito?

La mia formazione quarantennale nel mondo teatrale ha inciso profondamente nel mio modo di pensare l’immagine. Il teatro mi ha insegnato che lo spazio non è mai neutro e che il senso nasce spesso nell’attrito tra ciò che è previsto e ciò che accade. La parola BALIKWAS è stata per me l’apertura di un sentiero inatteso: una soglia linguistica e concettuale da cui lasciarmi condurre verso nuovi immaginari.

Non è un metodo, ma una disposizione. Un modo di accettare che il progetto non nasca sempre da una volontà chiara e lineare, ma da un attraversamento. Letteratura, arte, poesia e disegno sono campiture che continuo a frequentare come territori di nutrimento. Tuttavia sono arrivato a un punto in cui sento la necessità di lasciare spazio all’imprevisto, all’idea improvvisa, all’urgenza che non chiede permesso.

Solo in un secondo momento costruisco piani di contenuto, strutture, possibilità di restituzione. Il progetto, per me, non è mai un punto di partenza: è una conseguenza.

-Il Ponte delle Parole è stato uno dei progetti più significativi del mio percorso, non solo dal punto di vista artistico, ma soprattutto umano. È nato da una residenza durata due anni all’interno degli spazi della Cooperativa Il Germoglio e della Cooperativa Il Battello, territori di vita prima ancora che di lavoro, luoghi abitati da tempi diversi, da sguardi profondi, da una qualità dell’ascolto che raramente ci concediamo. Prima della fotografia è venuta la relazione. Per un lungo periodo — quasi un anno — ho semplicemente frequentato questi luoghi: incontrato le persone, ascoltato, condiviso gesti quotidiani, silenzi, attese. Avevo chiaro che non volevo un’immagine eclatante, né un racconto spettacolarizzato della disabilità. Cercavo un registro fragile e necessario fatto di rispetto, prossimità e restituzione. Fotografare è arrivato solo dopo, come uno stupore reciproco. Non un prelievo, ma un dono condiviso. Ogni ritratto nasce da un incontro, da un tempo riconosciuto, da uno scambio che ha coinvolto non solo gli ospiti delle cooperative, ma anche le loro famiglie. È stato un percorso di reciprocità, in cui lo sguardo si è costruito insieme.

La scelta di esporre le immagini lungo il ponte che collega Paratico a Sarnico non è stata casuale. Il ponte è per definizione un luogo di attraversamento, di passaggio, di connessione. Portare lì quei volti significava renderli pubblici nel senso più alto del termine: sottrarli alla marginalità, inserirli nel flusso quotidiano della vita, obbligare lo sguardo a fermarsi, a riconoscere. In questo allestimento site specific, i ritratti vanno oltre la fotografia. Diventano presenze. Interpellano chi passa, chiedono di superare barriere mentali invisibili ma potentissime, invitano a guardare la disabilità non come categoria, ma come costellazione di identità singolari. Nomi e volti, appunto.La disabilità è complessa, come tutte le cose che contano. Non si risolve con un sorriso benevolo o con una frase rassicurante. Va compresa, attraversata, accolta nella sua interezza. Con questo progetto ho cercato di rendere pubblico ciò che spesso resta confinato a una relazione privata o compassionevole, restituendo dignità allo sguardo e spazio alla complessità dell’umano.

In fondo, Il Ponte delle Parole è questo: un tentativo di creare un luogo simbolico in cui incontrarsi, senza semplificazioni, senza etichette, ma con la responsabilità di riconoscersi.

-Circa il progetto “TEATRIDALSANGUECRUDELE – L’INQUIETO FASCINO DELLE FIABE”  posso descriverlo come nato da una convinzione profonda: le fiabe non sono mai state semplici racconti per l’infanzia, ma vere e proprie architetture di conoscenza. Sono narrazioni antiche che parlano ai livelli più profondi dell’essere umano, dove il linguaggio razionale spesso non arriva. Le fiabe non spiegano: mostrano. E proprio per questo insegnano ad ascoltare.

Una società realmente intelligente e consapevole dovrebbe saper riconoscere nelle fiabe uno strumento di aiuto, una mappa simbolica capace di attraversare paure, desideri, conflitti e traumi. Nelle fiabe il male non è mai edulcorato: è oscuro, inquietante, talvolta crudele. Ma è proprio attraverso questa esposizione che diventa riconoscibile e, quindi, affrontabile.

In TEATRIDALSANGUECRUDELE – L’inquieto fascino delle fiabe abbiamo scelto di intrecciare fiaba, narrazione e teatro con temi sociali profondamente urgenti come la ludopatia, il femminicidio e il bullismo. Temi che troppo spesso vengono nascosti, minimizzati o rimossi. La fiaba, invece, permette di portarli in scena senza semplificarli, offrendo uno spazio protetto ma non anestetizzato, in cui lo spettatore può riconoscersi, interrogarsi, mettersi in discussione. Credo fermamente che tutte le forme di sopraffazione debbano essere rese pubbliche, nominate, esposte alla luce. Non per spettacolarizzarle, ma per sottrarle al silenzio che le alimenta. L’arte ha questa responsabilità: mostrare per comprendere, anziché nascondere per paura.Naturalmente l’arte da sola non basta.

È fondamentale il lavoro quotidiano di realtà professionali che creano centri di ascolto, accoglienza e supporto. Ma cultura e arte possono essere il primo varco, il luogo in cui si genera consapevolezza, in cui chi subisce trova parole e chi esercita violenza può essere invitato a riflettere, a riconoscere, a comprendere. Le fiabe ci insegnano che ogni attraversamento comporta un rischio, ma anche una possibilità di trasformazione. Ed è in questa possibilità che continuo a credere: che attraverso il teatro, la narrazione e l’ascolto si possa contribuire a costruire una società più giusta, più responsabile e, soprattutto, più umana.

-Antro della Mente invece nasce da un incontro, come spesso accade nei miei progetti. L’incontro con Nicola Verzeletti, un giovane autore che ha avuto il coraggio di raccontare la propria esperienza con la depressione attraverso la scrittura. Quel dialogo ha aperto una fenditura, una necessità: dare forma visiva a qualcosa che troppo spesso resta invisibile, non detto, confinato nella solitudine. La depressione non è un fenomeno nuovo, ma oggi ha assunto una dimensione sistemica.

Viviamo in una società che chiede costantemente di essere performanti, socialmente presenti, esteticamente impeccabili, eternamente giovani e felici. Una società che espone continuamente modelli irraggiungibili e che, nel farlo, produce fragilità profonde, soprattutto nelle generazioni più giovani.

Molti ragazzi e ragazze si trovano a dover navigare tra aspettative altissime e possibilità concrete sempre più ridotte: il lavoro che manca o è precario, il futuro che appare opaco, il desiderio che si scontra con resistenze strutturali. In questo scarto si annida spesso la depressione, che non è solo sofferenza individuale, ma anche sintomo di un malessere collettivo. Il progetto Antro della Mente si muove proprio in questo spazio.

L’“antro” è un luogo interiore, oscuro, non illuminato, ma anche uno spazio di rifugio. Non ho voluto rappresentare la depressione in modo spettacolare o narrativo, ma suggerirla come condizione, come sospensione, come tempo fermo. Un luogo mentale in cui il pensiero si ripiega su sé stesso, dove il silenzio diventa assordante. In questo senso si intreccia anche il fenomeno degli hikikomori, giovani che scelgono o subiscono il ritiro sociale come risposta estrema a una pressione insostenibile. Il ritiro non è fuga, ma una forma di difesa. Un tentativo di sopravvivenza. Antro della Mente dialoga con questa realtà, cercando di restituirne la complessità senza giudizio. Credo sia fondamentale parlare di depressione come fatto sociale, non solo clinico. Renderla visibile, nominabile, condivisibile. L’arte, ancora una volta, non guarisce, ma può aprire spazi di riconoscimento. Può dire: “non sei solo”, “non sei sbagliato”, “quello che senti ha diritto di esistere”.

Questo progetto non offre soluzioni, ma chiede ascolto. E forse oggi, in una società che corre e consuma emozioni, l’ascolto è già un atto radicale.

Progetti futuri?

Sì, assolutamente. C’è un progetto a cui tengo in modo particolare, perché mette in moto uno scambio internazionale e perché rappresenta una sintesi profonda di molte delle mie riflessioni degli ultimi anni. Un progetto di cui vado sinceramente orgoglioso. Si tratta di un lavoro in fase di conferma con il Giappone, un progetto di scambio tra due quotidianità solo apparentemente lontane: quella italiana e quella giapponese. Il fulcro è la relazione tra la persona e l’albero, due presenze che condividono il tempo, la memoria e la capacità di resistere. In questo lavoro fotografico il mondo vegetale non è mai sfondo, ma interlocutore.

Gli alberi non hanno mai smesso di insegnare agli esseri umani: ci parlano di radicamento, di pazienza, di trasformazione lenta. E noi, quando ci fermiamo ad ascoltare, non abbiamo mai smesso di imparare. Il progetto prevede uno scambio di volti e piante tra Italia e Giappone. Volti che si offrono allo sguardo, alberi che custodiscono storie.

La fotografia diventa così un ponte silenzioso, uno spazio di dialogo e confronto, un invito all’ascolto reciproco. Ancora una volta, l’immagine come specchio della memoria: non per fissare, ma per mettere in relazione.

Sono in attesa della risposta definitiva dal Giappone e, se tutto andrà come sperato, il lavoro prenderà avvio a marzo 2026. Sarà un attraversamento lento, rispettoso, fondato sull’incontro e sulla possibilità di ri/conoscersi nell’altro, anche a migliaia di chilometri di distanza.